Закрыть

Уважаемые слушатели! Абонементы сезона 2016-2017 в продаже до 20 октября
перейти к списку абонементов

    IV Международный фестиваль
    актуальной музыки
    «Другое пространство» (17–21 ноября).
    Лондонская симфониетта,
    Владимир Юровский

    18 ноября 2014, начало в 19:00

    Концертный зал имени П. И. Чайковского

    схема проезда
    Лондонская симфониетта
    Дирижер – Владимир Юровский

    Ведущий концерта – Рауф Фархадов

    В программе:
    Нассон
    Coursing (Российская премьера)
    А. Сафронов
    «Сны Хроноса»
    Бёртуисл
    Carmen Arcadiae Mecanicae: Perpetuum
    Бочихина
    «Часы Шагала»
    Андерсон
    «Хоровод» (Российская премьера)
    Адес
    «Ожившие игрушки» (Российская премьера)


    При поддержке Министерства культуры 
    Российской Федерации


           


    12+

    Абонемент №7:

    IV Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство»

                                    



    «Музыканты, имя которых — бренд»

    Московский комсомолец

    «Лондонская симфониетта не просто шагает в ногу со временем, она ловит на лету направление ветра, а значит, может предугадать новый поворот в кривой нового искусства. Коллектив не боится эксперимента, и это решает в его популярности все».

    Независимая газета


    Во второй вечер IV Международного фестиваля актуальной музыки «Другое пространство» Владимир Юровский представит московской публике Камерный оркестр Лондонская симфониетта.

    Со дня своего основания в 1968 году этот коллектив остается в авангарде современного музыкального искусства, сохраняя авторитет выдающегося интерпретатора музыки XX-XXI веков. Оркестр является первым исполнителем ряда произведений Я. Ксенакиса, Д. Лигети, Л. Берио, активно экспериментирует, работая с ведущими мастерами в других видах искусства и в альтернативных музыкальных жанрах.

    Лондонская симфониетта находится в постоянном поиске новых путей продвижения современного искусства, и его аудитория постоянно расширяется.



    Оливер Нассен (р. 1952)
    «Преследование» (Coursing) – Этюд I для камерного оркестра, соч. 17 (1979/81)

    Буквальный (хотя и слишком конкретно-программный!) перевод английского названия Coursing – «охота с гончими». Композитор пишет в предисловии к сочинению: «Название стремится передать одновременно энергию, текучесть и высокую скорость. Изначальным толчком к образам этой пьесы послужили стремнины Ниагарского водопада – собирающие потоки воды огромной силы (несмотря на её кажущуюся гладкость) перед тем, как они обрушатся вниз. «Преследования», проходящие через всю эту пьесу – преобразования длинной мелодии в унисон, которая слышится в самом начале. В определённом смысле эта мелодия (требующая значительной ансамблевой виртуозности) проявляется на протяжении всего сочинения: из неё с лёгкостью выводятся все смены темпов и гармоний. Как и другие мои партитуры последних лет, Coursing – сочинение компактное, оно звучит немногим более 6 минут». Произведение написано по заказу Лондонской симфониетты и посвящено композитору Элиоту Картеру («в знак восхищения – к 70-летнему юбилею»). Премьера первоначальной редакции состоялась в апреле 1979 г. под управлением Саймона Рэттла, в начале 1981 г. пьеса была переработана.



    Джулиан Андерсон (р. 1967)
    «Хоровод» для 15 исполнителей (1994)

    В оригинале название буквально воспроизводит русское слово «хоровод». По словам самого композитора, оно «относится к категории мелодий праздничного характера, наиболее отличительная особенность которых – ограниченность короткими попевками (чаще всего – три-четыре звука) и их возвращения вновь и вновь (по кругу) в постоянно меняющихся ритмах». В конце партитуры – «пост-эпиграф» из Бальмонта (на русском языке): «…Создаёт их живой хоровод / Новый мир, недосказанный, / Но с рассказами связанный / В глубине отражающих вод». В предисловии к сочинению автор пишет: «Хотя в «Хороводе» и не цитируются напрямую русские, турецкие, румынские или литовские мелодии этого типа, примерно двадцать из них легли в основу мелодических моделей. Эта пьеса, прежде всего, мелодическая в своей основе: все её гармонии происходят из «собирания» отдельных тонов мелодий или их обертонов. На этой основе формируются, в свою очередь, новые мелодии – и таким образом идёт весь процесс. В «Хороводе» я избегаю развивающих разделов – сочинение в основном состоит из последовательности различных танцев в различных темпах, налагающихся один на другой. Поскольку они «накладываются» в различных темпах и ритмах, структура получается часто многослойной. В процессе работы над сочинением к его материалу всё больше и больше привлекались иные фольклорные традиции – так, что в конце возникают ассоциации и с испанской народной музыкой, и даже с музыкой диско (в общем – ближе к нашему времени). Основные танцы появляются в такой последовательности: 1) хоровод в русском стиле (в тоне «до») – одновременно в четырёх разных темпах; 2) грубый танец в литовском стиле (в тоне «до-диез») – склоняющейся к джазовой манере; 3) испанская малагенья (в тоне «ре») – для двух маримб и фортепиано; 4) долгий медленный «хоровод» (в тоне «фа-диез») – который постепенно набирает скорость и энергию; 5) уже третий по счёту, неистовый русский танец (в «до-диез»), приводящий к 6) кульминационному «бибопу» (в том же самом тоне) в стиле домашней, клубной музыки – который объединяет все элементы этой пьесы в мощном тутти; и наконец – 7) заключительная колыбельная (в «до») на деревянных духовых инструментах». В первоначальной редакции произведение было исполнено в Тэнглвудском музыкальном центре (США, 1993). Окончательная редакция создана год спустя по заказу Лондонской симфониетты (с посвящением Оливеру Нассену) и в том же году исполнена в Барбикан-холле (Лондон) под управлением Маркуса Штенца – тогдашнего главного дирижёра ансамбля.



    Антон Сафронов (р. 1972)
    СОН … – ХРОНОС (Вечный Гнев Бегущего Времени) для 8 инструменталистов (2000/05)

    Размышления о непредсказуемом, слепом и неумолимом Времени воплотились для меня в мифологическом образе Хроноса («время» по-гречески) – подлинного властителя над миром явлений. В представлении древних греков Время, выраженное в образе бога Кроноса, существовало задолго до богов Пантеона. Кронос был своеволен и неукротим, в гневе он пожирал собственных детей. Этот образ-архетип стал для меня отправной точкой музыкального проникновения во Время и Преходящее, звукового воплощения и переживания натиска Времени. Укрощение Кроноса одним из своих сыновей (Зевсом) символизирует для меня переход к упорядоченному времени, «золотому веку» культуры и цивилизации. Но этот сюжет остаётся за рамками моей музыкальной фантазии о Времени – первозданном, диком, необузданном и безумном. В названии своего сочинения я намеренно не уточняю, как соотносятся между собой Время и Сон: это можно понимать и как наши сны о Времени, и как сон самого Времени. Впервые это сочинение исполнил франкфуртский Ансамбль Модерн, затем – Шарун-Ансамбль Берлинской филармонии, амстердамский Шёнберг-Ансамбль и др. В России оно впервые прозвучало в Санкт-Петербурге в исполнении eNsemble, а в этом году – ставилось в Новосибирске в хореографической версии Марии Кафановой и с ансамблем Лаборатория новой музыки. Нынешнее исполнение Владимиром Юровским и Лондонской симфониеттой на фестивале «Другое пространство» – впервые в Москве.



    Харрисон Бёртуисл (р. 1934)
    Carmen Arcadiae Mecanicae Perpetuum для ансамбля (1978)

    Название сочинения можно перевести с латинского как «Постоянная песнь механических птиц». В нём заложена парафраза-переосмысление картины Пауля Клее «Чирикающая машина» – нечастый пример иронии в авангардной музыке. В этом сочинении 33-летний композитор приходит к своеобразной музыкальной эстетике, которую он будет развивать в последующих своих произведениях. Эта в высшей степени игривая, полная неожиданных контрастов и поворотов пьеса представляет характерное для композитора явление «скрытого театра», в котором действуют шесть «механизмов» – групп инструментов, «жестикулирующих» наподобие механических аппаратов. Они словно сражаются между собой в самых различных регистрах и ритмических структурах. Основная движущая сила пьесы – шкала времени, независимая от всех этих «механизмов» и рождающая собственные, независимые друг от друга процессы. Сочинение посвящено «друзьям – Лондонской симфониетте по случаю десятилетнего юбилея». Премьера состоялась в Куин-Элизабет-холле под управлением автора. Произведение стало одним из основных в репертуаре этого коллектива и с тех пор звучит на протяжении десятилетий в репертуаре всё новых и новых ансамблей. Существует также авторская редакция для камерного оркестра с расширенным составом струнных.



    Ольга Бочихина (р. 1980)
    X.II (Часы Шагала) для ансамбля (2010)

    К сочинению этой пьесы меня подтолкнул образ времени, запечатленный на различных полотнах Марка Шагала. Именно образ времени, а не само время. Формула этого образа выражена стрелками, которые отмеряют равные отрезки в противоположных направлениях – 10 часов (римская цифра Х) 10 минут (римская цифра II). Эти отрезки равны количественно, как если бы это был чертеж, но не равны качественно. В этом контексте минута – лишь малое движение стрелки на чертеже, в то время как 60 секунд – это полный круг, который описывает радиус стрелки. Таким образом, в этом случае, равные качественно, они не равны количественно. Глядя на циферблат, мы можем измерять, а правильнее сказать – оценивать время лишь количественно, в момент взгляда, фиксируя положение стрелок и запечатлевая образ времени. Но мы не можем уловить качественное изменение времени, его течение. Мы лишь способны превратить его в жест, например, жест стрелки. И тогда это уже не образ «сейчас», а образ «уже не сейчас» или «еще не сейчас». В пьесе количество исполнителей соответствует количеству цифр на циферблате, а справедливее сказать – точке, заключенной между двумя отрезками Х и II, и одновременно равной их сумме, то есть ХII. Ансамбль – это своеобразный часовой механизм с невидимыми стрелками, которые перемещаются по окружности и время от времени останавливаются взглядом (Ольга Бочихина)



    Томас Адес (р. 1971)
    «Ожившие игрушки» (Living Toys) для камерного ансамбля (14 исполнителей), соч. 9 (1993)
    I. Ангелы – II. Тур – БАЛЕТ(Т) – III. Солдаты – IV. Смерть H.A.L. – БИТВА – V. Игра в похороны – СТЕЛА

    В качестве эпиграфа к партитуре композитор цитирует анонимное изречение (в переводе с испанского): «Когда Хуанито спросили, кем бы он хотел быть, мальчик не назвал ни одной из мужских профессий, которые они надеялись услышать, а вместо этого ответил: “Я собираюсь стать героем, танцевать с ангелами и быками, сражаться с быками и солдатами, героически умереть на чужбине и быть похороненным как герой”. Услышав эти слова ребёнка, люди почувствовали себя совсем маленькими, понимая, что они не герои и их жизни имеют меньше смысла, чем мечты, окружающие ребенка, словно игрушки». Мечты ребёнка о героических приключениях претворяются в пяти символических эпизодах сочинения (обозначенных римскими цифрами), которые сменяются тремя разделами-интермедиями, более динамичными и изменчивыми (названия даны большими буквами без порядковых номеров) – по словам автора, эти разнородные части «можно сравнивать между собой как живопись и кино». Первый эпизод, представляющий Ангелов, – «длинное соло валторны, окружённое ореолом гонгов и малой трубы». Затем – вместе со сменой темпа и появлением первой низкой ноты «си» – «на арену выходит Тур (вымерший европейский дикий бык). Его стегает и раззадоривает жестокий, изящный ребёнок-матадор – до тех пор пока рёв о пощаде (снова валторна) не сменяется первым появлением “героической темы”». Эта ритмически простая мелодия появляется в сочинении трижды, возвещая собой наступление каждого из трёх «ненумерованных» разделов-интермедий – «БАЛЕТ(Т)», «БИТВА» и «СТЕЛА». По-английски их названия представляют собой слова-анаграммы – „BALETT“, „BATTLE“, „TABLET“ – аналогичным образом в них перегруппируется и музыкальный материал. (Слово “BALETT” написано намеренно неточно – вместо “ballet” (!), – чтобы можно было перетасовывать буквы в другие слова.) Особую роль в этих интермедиях играют уже упомянутые выше «ангельские» и «героические» мотивы. «БАЛЕТ(Т)» внезапно обрывается возвращением низкого звука «си» и начинается новый эпизод («Солдаты») – «кошмар героя, в котором он видит гротескную армию, возглавляемую двумя виртуозами – фанатичным барабанщиком и горнистом, чей инструмент словно бредит во сне». Следующий эпизод – переключение фантазий мальчика-героя, аллюзия с фильмом Стэнли Кубрика «Космическая Одиссея: 2001» и «смертью» его отрицательного героя – бортового компьютера H.A.L. (который вредит астронавтам и в конце концов один из них демонтирует его). Перед смертью компьютер поёт популярную в 1920-х годах песенку Daisy Bell, постепенно замедляя темп и понижая тесситуру. Эта песня ловко вписана в партитуру в эпизоде «Смерть H.A.L.» (в виде соло контрафагота и контрабаса), но она почти неузнаваема на слух. Эпизод сменяется интермедией «БИТВА», где вновь появляются чудовищные Солдаты и побеждают героя. Наш герой представляет себя на торжественных военных похоронах (эпизод «Игра в похороны») – «с приглушенными барабанами и всеобщим пением его лейтмотива, окроплённого слезами». В последнем разделе – «СТЕЛА» – «воздвигается надгробная доска, три орудийных салюта – три выпущенные ракеты, три большие порции пыли – словно захлопывают книгу истории, и наш герой удаляется прочь, чтобы соединиться со своими первоначальными противниками». Сочинение было написано для Лондонской симфониетты и впервые исполнено под управлением Оливера Нассена в лондонском Барбикан-холле.

    Автор и редактор текстов — Антон Сафронов

    Лондонская симфониетта

    Лондонская Симфониетта получила признание во всем мире как один из непревзойденных интерпретаторов современной музыки. С самого первого своего концерта 24 января 1968 года, на котором прозвучала мировая премьера кантаты «Кит» сэра Джона Тавенера, оркестр исполнил несколько сотен произведений ХХ–ХХI веков. За свою историю коллектив заказал свыше 300 сочинений современным композиторам. Среди писавших для оркестра авторов такие корифеи, как Харрисон Бёртуисл, Янис Ксенакис, Лучано Берио, Магнус Линдберг, Томас Эдис, Джордж Бенджамин, Стив Райх, Дай Фудзикура, Джонни Гринвуд, Джанго Бейтс, Роберто Карневале, Кеннет Хескет, Марк-Энтони Тёрнедж. Коллектив тесно сотрудничает с молодыми композиторами.

    Дважды оркестр был удостоен премии Королевского филармонического общества – за просветительскую деятельность (2006) и как лучший ансамбль (2010).

    Лондонская Симфониетта базируется в престижном культурно-концертном комплексе Southbank Centre. Оркестр был основан руководителем этого центра Николасом Сноуменом и дирижером Дэвидом Атертоном. В разное время коллективом руководили Майкл Вайнер, Пол Кроссли, Маркус Штенц, Оливер Нассен (в настоящее время дирижер-лауреат Лондонской Симфониетты), Джиллиан Мур. Среди приглашенных дирижеров – Диего Массон, Пьер-Андре Валад, Мартин Браббинс, Джордж Бенджамин.

    У коллектива плотный гастрольный график – он выступает по всей Великобритании и за рубежом. Оркестр – частый гость фестиваля BBC Proms и других престижных событий. В этом году Симфониетта выступает на фестивале «Развернутый минимализм» в здании Kings Place, исполняя музыку Терри Райли и Стива Райха; принимает участие в двух музыкально-театральных проектах – совместно с Королевской оперой и с фестивалем в Олдборо.

    Среди других событий сезона – участие в торжествах в честь 80-летия Харрисона Бёртуисла в Southbank Centre; лондонская премьера Stabat Mater Dolorosa Джеймса Диллона; ряд мультимедийных проектов с художником и композитором Кристианом Марклеем. В исполнении Лондонской Симфониетты прозвучит ряд новых произведений, созданных как своеобразные художественные «послания» правительству, которое будет сформировано после Всеобщих выборов 2015 года.

    Летом оркестр провел традиционную, седьмую по счету, «Академию Лондонской Симфониетты». Это интенсивный недельный курс, во время которого молодые талантливые исполнители оттачивают свое мастерство, играя в составе оркестра, после чего дают совместный концерт.

    Ряд образовательных проектов этого сезона проходит в школах. В младших классах проводится изучение связей между музыкой и математикой, которое сопровождается выступлениями исполнителей и вовлекает в процесс юных слушателей. Учащиеся среднего звена услышат произведения Стива Райха – «Электрический контрапункт» и «Нью-Йоркский контрапункт».

    Посредством музыки Стива Райха оркестр осваивает новые методы музыкального просветительства: так с помощью современных мобильных устройств iPhone и iPad «Музыка хлопков» Райха станет интересной игрой.

    Лондонская Симфониетта открыта эксперименту. Оркестр сотрудничает с артистами новаторского лейбла Warp Records, специализирующегося на электронной музыке, а также с Джонни Гринвудом – композитором и соло-гитаристом группы Radiohead.

    В дискографии коллектива множество записей классики ХХ века. Среди таких работ – премьера цикла «Голоса» Ханса Вернера Хенце под управлением автора, оперетта «Плавучий театр» Джерома Керна. С недавних пор у оркестра имеется собственная фирма London Sinfonietta Label, в фокусе внимания которой – уникальные концертные записи, такие как юбилейный концерт Оливера Нассена. В 2006–2009 гг. была выпущена серия шести дисков с произведениями молодых композиторов. Последний компакт-диск, где оркестр исполняет произведения Пелле Гудмундсен-Хольмгрена, вышел на фирме Dacapo.

    Владимир Юровский

    Родился в 1972 г. в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки им. К.-М. фон Вебера и Берлинской Высшей школе музыки им. Г. Эйслера.

    Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 г. с триумфом дебютировал на международной сцене — в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Н. Римского-Корсакова). В дальнейшем сотрудничал с крупнейшими театрами, в том числе: Covent Garden (Лондон), Opéra Bastille (Париж), Metropolitan Opera (Нью-Йорк), Komische Oper (Берлин), Teatro La Fenice (Венеция), Teatro alla Scala (Милан) и Большим театром России. Выступал с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауза, Консертгебау и Баварского радио и многими другими. В 2001—2013 гг. — музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005—2009 гг. — главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 г. — главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером). С 2009 г. сотрудничает с Камерным оркестром Европы.

    С 2011 г. — художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России им. Е. Ф. Светланова. Выступал с коллективом на фестивалях «Площадь искусств» (Санкт-Петербург) и «Другое пространство» (Москва), на III симфоническом форуме России (Екатеринбург), в концертах, посвященных памяти Е. Светланова и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил мировые премьеры оперы «Король Лир» С. Слонимского, «Песни Лукерьи» А. Вустина и «Наваждения» С. Прокофьева в оркестровке Г. Гладкова, а также российские премьеры Симфонии № 3 В. Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Р. Щедрина, Симфоний № 5 и 9 Л. ван Бетховена в редакции Г. Малера, оперы «Прометей» К. Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Г. Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» А. Скрябина — А. Немтина. По инициативе дирижера в 2012 г. была возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Музее-заповеднике П. Чайковского в Клину). В 2016 г. в Концертном зале им. П. И. Чайковского в четвертый раз прошел ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает».

    В. Юровский осуществил музыкальное руководство постановками опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» В. А. Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Р. Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Дж. Верди, «Борис Годунов» М. Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» П. Чайковского, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Л. Яначека, «Похождения повесы» И. Стравинского, «Моисей и Аарон» А. Шёнберга, «Воццек» А. Берга, «Огненный ангел» С. Прокофьева, «Vita Nuova» В. Мартынова и других.

    Дискография Юровского включает, в частности, записи симфоний Л. ван Бетховена, И. Брамса, П. Чайковского, Г. Малера, Д. Шостаковича, А. Шнитке, симфонических произведений Й. Гайдна, Р. Вагнера, Р. Штрауса, С. Рахманинова, М. Равеля, Г. Холста, А. Онеггера, Б. Бриттена, Дж. Андерсона, опер Э. Хумпердинка, Дж. Россини, Дж. Мейербера, Ж. Массне, Дж. Пуччини, С. Рахманинова, С. Прокофьева, А. Семёнова.

    В 2000 г. Владимир Юровский стал обладателем «Abbiati Prize» как «лучший дирижер года», в 2015 г. – «BBC Music Magazine Award» за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Р. Вагнера; в 2007 г. отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 г. номинирован на премию «Grammy». Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности.

    В 2016 г. В. Юровский был удостоен званий почетного доктора Королевского колледжа музыки (Лондон) и почетного профессора Московского государственного университета.