Открытие Всероссийского виртуального
концертного зала.
Трансляция концерта
из Концертного зала
имени П. И. Чайковского
в филармонии России
29 ноября 2014
Концертный зал имени П. И. Чайковского
схема проезда
Академический симфонический оркестр
Московской филармонии
Юрий Симонов, дирижёр
Денис Мацуев (фортепиано)
В программе:
Глинка
Увертюра к опере «Руслан и Людмила»
Рахманинов
Концерт № 2 для фортепиано с оркестром
Чайковский
Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта»
Михаил Иванович Глинка (1804-1857)
Увертюра к опере «Руслан и Людмила» (1842)
Опера «Руслан и Людмила» Глинки, как и предшествующая ей опера «Иван Сусанин», определили историческую судьбу русской оперной классики. Именно эти творения открыли путь двум основным направлениям — народной музыкальной драме и опере-сказке, опере-былине. В основу сюжета оперы «Руслан и Людмила» положена одноименная юношеская поэма Пушкина. В отличие от пушкинского оригинала, основанного на темах русского сказочного эпоса, с чертами легкой иронии, шутливого отношения к героям и загадочностью (что таится в этом предупреждении поэта «Сказка ложь, да в ней намек, добрым молодцам урок»?), опера Глинки по-былинному величава, монументальна, эпична. Эпические сцены Киевской Руси, представляющие легендарные образы великого князя Светозара, отважного богатыря Руслана, народного певца и сказителя Баяна (I и V действия) обрамляют центральные сказочно-фантастические сцены, в которых участвуют ярко очерченные персонажи — нежная Людмила, пылкий Ратмир, верная в своей любви к нему Горислава, трусливый Фарлаф, добрый и мудрый Финн, коварная Наина и злой, жестокий карлик Черномор. Эпическая повествовательность и философская глубина в трактовке сюжета отличают оперу Глинки от «волшебных» романтических западно-европейских опер К. М. Вебера или Р. Вагнера, включая его «Летучего голландца», «Тангейзера» или «Лоэнгрина» — по-существу, ровесников « Руслана и Людмилы».
Основная идея оперы — победа доброго начала над силами зла — экспонируется в увертюре. Она своего рода симфонический конспект оперы, средоточие главных ее тем: короткое и решительное, «как удары кулака» (выражение Глинки), вступление и буйно-радостная главная тема заимствованы из победного финального хора («Слава великим богам»); вторая лирически восторженная тема — из арии Руслана в третьем действии («О Людмила, Лель сулил мне радость»). В среднем эпизоде странные, пугающие звучания словно предостерегают от коварства злых сил — они взяты из сцены похищения Людмилы, а перед самым концом увертюры басы чеканят грозную, угловатую, спускающуюся по ступеням вниз целотонную гамму, характеризующую злого карлика Черномора, — блестящее изобретение композитора!
Глинка воспользовался
западноевропейской традицией и, согласно ей, написал увертюру после завершения
работы над оперой, как он вспоминал в своих «Записках», «прямо на оркестр, нередко во время репетиций в комнате режиссера». Композитор остался доволен своей работой. «Летит на всех
парусах», — с гордостью говорил он об увертюре, на редкость лаконичной,
проносящейся, как вихрь, в едином темпе. И сегодня музыка увертюры к опере
«Руслан и Людмила», ставшая самостоятельным концертным номером и очень
популярным среди дирижеров, поражает этим удивительным сочетанием богатства
красок, щедрости колорита с легкостью, полётностью движения. Истинное
мастерство не подвластно времени!
Сергей Васильевич Рахманинов (1873–1943)
Концерт № 2 для фортепиано с оркестром до минор, соч. 18 (1901)
«В его сочинениях ощущается дыхание русской весеннести, весеннего прорастания и вешнего ликования, чувства, охватывающего душу в периоды мощного разлива русских рек в половодье» (Борис Асафьев).
Сергей Васильевич Рахманинов – великий русский композитор, блистательный пианист и дирижер – во всем мире является олицетворением России. Его творчество имеет поистине эпохальную значимость, а любое его произведение можно назвать жемчужиной русского искусства. Композитор равнозначно проявил себя как в симфоническом, так и в духовном, вокальном, оперном и концертном жанрах – в каждый из них он привнес что-то сугубо свое.
Фортепианные концерты С. В. Рахманинова стали целой эпохой в развитии жанра. Они наполнены страстным романтическим чувством – то бурным, восторженным, празднично-ликующим, то трепетным, нежным, погруженным в музыку тишины родной природы, которую так хорошо умел слышать Рахманинов. Это виртуозные циклические произведения, построенные на ярком песенно-мелодическом материале, берущем свои корни в древних знаменных распевах и народно-песенном творчестве. Во многом они продолжили концертно-симфонические принципы П. И. Чайковского. Значительность и глубина содержания, контрастное сопоставление музыкальных образов и их подлинно-симфоническое развитие, наконец, богатство и сложность фактуры – все это приближает концерты Рахманинова к симфониям.
Несмотря на принадлежность к одному жанру, каждый из фортепианных концертов имеет индивидуальный облик и свою особую музыкальную концепцию. Не нарушая традиционных рамок трехчастного цикла, Рахманинов не повторяет решений, придавая каждому своему «детищу» самостоятельность и непохожесть. Концерты Рахманинова позволяют проследить не только эволюцию стиля композитора, но и эволюцию этого жанра в его творчестве.
Масштаб мировой популярности Второго концерта Рахманинова сравним с известностью Первого концерта его великого учителя – П. И. Чайковского. Необычность сочинения была отмечена еще на репетициях, а премьера, состоявшаяся в симфоническом собрании Московского филармонического общества 27 октября 1901 года в исполнении автора (оркестром дирижировал А. И. Зилоти), просто ошеломила слушателей. «Конечно, главная тема Второго фортепианного концерта поразила всех как душевное явление величайшей силы таланта и мужественной природы характера. Она была редкостью даже для русской музыки, уже испытавшей воздействие женственной изнеженности и увлечения звуковыми пряностями различных сортов», – отмечал Б. В. Асафьев.
В этом концерте Рахманинов впервые выступает как зрелый художник, свободно владеющий всеми средствами музыкальной выразительности, как мастер крупной формы, фресковой манеры письма, блестящего фортепианного стиля.
Концерт насыщен ярким образным тематизмом: многочисленные попевки, подголоски вырастают из ведущей темы, а затем преобразуются в различные музыкальные образы. Воодушевленно-лирическое высказывание сочетается в этом произведении с неумолимо строгой ритмической дисциплиной, являющейся выражением сдерживающего и организующего волевого начала. Кажется, будто концерт высечен из одной глыбы мрамора, как скульптуры Микеланджело.
В основе первой части (Moderato) лежит эпически величавая тема, олицетворяющая образ Родины, могучей и прекрасной. «Тема его вдохновеннейшего Второго концерта есть не только тема его жизни, но неизменно производит впечатление одной из наиболее ярких тем России и только потому, что душа этой темы русская…, каждый раз с первого же колокольного удара чувствуется, как во весь рост поднимается Россия», – писал Н. К. Метнер, композитор и друг Сергея Васильевича.
Вторая часть – прелестнейшее Adagio sostenuto – служит средоточием лиризма, островком отдохновения. Красотой расцветающей природы, ощущением молодости, счастья и душевного покоя веет от этой полной мечтательного раздумья музыки
По воспоминаниям композитора А. Н. Александрова, «Танеев, прослушав вторую часть Второго концерта на репетиции в Большом зале консерватории, тихо произнес: “Гениально!” – и вытер набежавшую слезу».
Величественный финал (Allegro scherzando) возвращает слушателя к мужественным образам первой части и утверждает победу светлого начала, торжество творческих сил, красоты, любви.
Второй фортепианный концерт занял особое место в творчестве Рахманинова, став едва ли не самым популярным его сочинением благодаря высокому художественному благородству, красоте и выразительности тем, законченности общей концепции. Композитор необычайно ярко сумел воплотить в этом произведении то настроение радостного возбуждения, подъема, ожидания чего-то нового, которым охвачены были широкие круги русского общества на пороге наступающего столетия.
В 1904 году Рахманинову на Второй фортепианный концерт была присуждена Глинкинская премия, учрежденная известным меценатом М. П. Беляевым.
Петр Ильич Чайковский (1840–1893)
«Ромео и Джульетта», увертюра фантазия (1880)
«Ромео и Джульетта» – первое обращение П. И. Чайковского к наследию Уильяма Шекспира и первое произведение в серии его творческих замыслов на этот сюжет. Известно, что Чайковский планировал создать оперу по шекспировской трагедии. «Я буду писать "Ромео и Юлию", – сообщал он брату Модесту в 1878 году. – Все твои возражения уничтожаются перед тем восторгом, которым я возгорелся к этому сюжету. Это будет самый капитальный мой труд. Мне теперь смешно, как я мог до сих пор не видеть, что я как будто предназначен для положения на музыку этой драмы. Ничего нет более подходящего для моего музыкального характера. Нет царей, нет маршей, нет ничего составляющего рутинную принадлежность большой оперы. Есть любовь, любовь и любовь». В 1881 году он пишет младшему брату Анатолию: «Теперь безвозвратно решено: я буду писать оперу на эту тему. Чувствую, что, если постараюсь, выйдет хорошо… Про «Ромео и Юлию» никому не говори». К сожалению, от замысла оперы остался только эскиз дуэта Ромео и Джульетты, созданный Чайковским в последний год жизни и завершенный Сергеем Танеевым.
Сюжет для увертюры по трагедии У. Шекспира был предложен П. И. Чайковскому М. А. Балакиревым, который даже разработал программу и план изложения музыкального материала. Произведение писалось 11 лет. Первая редакция 1869 года не удовлетворила Балакирева, что, однако, не мешало ему играть увертюру наизусть на каждом собрании в доме Л. И. Шестаковой. В 1870 году появилась вторая редакция, к которой Балакирев также отнесся критически, настаивая на дальнейшей работе. В 1880 году Чайковский осуществил третью редакцию. Композитор просил издателя обязательно напечатать посвящение Милию Балакиреву, поскольку в предшествовавшем издании оно «вследствие недосмотра» было упущено. Балакирев переживал в эти годы длительный кризис, практически оставив прежние дружеские связи, и Чайковский писал ему: «Мне хочется, чтобы Вы знали, что я не забыл, кто виновник появления на свет этой партитуры, что я живо помню Ваше тогдашнее дружеское участие, которое, я надеюсь, и теперь еще не вполне угасло» (1881). В окончательном виде «Ромео и Джульетта» впервые прозвучала в Тифлисе, в 1886 году под управлением М. М. Ипполитова-Иванова.
Увертюра была с воодушевлением принята публикой и вызвала такой энтузиазм среди участников «Могучей кучки», что критик В. В. Стасов назвал П. И. Чайковского шестым членом их кружка. Сам автор оказался глубоко удовлетворен созданным и до конца жизни «Ромео и Джульетта» оставалась одним из самых его любимых произведений. В 1884 году оно было награждено премией за лучшее оркестровое произведение, учрежденной меценатом М. П. Беляевым.
«Ромео и Джульетта» является одним из самых ярких образцов психологически-обобщенного программного симфонизма Чайковского. В отличие от повествовательно-иллюстративного пути, выбранного ранее Берлиозом для воплощения того же сюжета, русский композитор передает только основную идею и главный драматический конфликт шекспировской трагедии.
Этот конфликт гениально и лаконично выражен во взаимодействии трех основных тематических групп увертюры.
Суровая хорального склада тема медленного вступления – образ патера Лоренцо, воплощение одновременно благородства падре и жестких законов средневекового общества.
Величию бесстрастного хорала противопоставляется второй эпизод вступления – мотив стенаний, подавленных стонов и невыплаканных слез, построенный на «рыдающих» интонациях струнных.
Главная партия – образ семейной вражды – хоть и контрастирует вступительному хоралу, но все же родственна ему. Упругая, «пружинистая», драматически-напряженная стремительная тема является самой картинной в увертюре
Побочная партия – образ любви – одна из самых красивых и вдохновенных лирических мелодий в истории музыки. Балакирев находил в ней «негу и сладость любви»; Ларош говорил, что тема побочной партии «принадлежит к тем неотразимо чарующим напевам, от действия которых не может освободиться слушатель, каково бы ни было направление его вкуса или настроение его духа». Глазунов считал, что «так выразить беззаветную любовь юной четы, как про это пропел, а не сочинил Чайковский в «Ромео», никому из композиторов не удалось». Римский Корсаков писал: «До чего она вдохновенна! Какая неизъяснимая красота, какая жгучая страсть; это одна из лучших тем всей русской музыки!».
Академический симфонический оркестр Московской филармонии
Академический симфонический оркестр Московской филармонии на протяжении всей своей истории входит в число лучших отечественных оркестров и достойно представляет российскую музыкальную культуру за рубежом.
Оркестр создан в сентябре 1951 года при Всесоюзном радиокомитете, в 1953 году вошел в штат Московской филармонии. Его художественный облик и исполнительская манера формировались под руководством прославленных отечественных дирижеров. Первым художественным руководителем и главным дирижером коллектива был Самуил Самосуд (1951–1957). В 1957–1959 гг. за оркестром, который возглавил Натан Рахлин, закрепилась слава одного из лучших в СССР. В 1958 году на I Международном конкурсе имени Чайковского оркестр под руководством Кирилла Кондрашина сопровождал триумфальное выступление Вэна Клайберна, а в 1960 году первым из отечественных симфонических коллективов совершил гастроли по США.
Кирилл Кондрашин возглавлял Симфонический оркестр Московской филармонии на протяжении 16 лет (1960–1976). Эти годы стали важной вехой в истории коллектива: маэстро провел премьеры Четвертой и Тринадцатой симфоний Шостаковича, его же поэмы «Казнь Степана Разина», кантаты «К 20-летию Октября» Прокофьева, исполнил и записал многие симфонии Малера. В 1973 году оркестру было присвоено звание академического. Еще больше музыки ХХ века оркестр играл под руководством Дмитрия Китаенко (1976–1990), в том числе премьеры сочинений Хренникова, Денисова, Шнитке, Буцко, Тищенко. Впервые в СССР прозвучали «Турангалила» Мессиана, кантата «Звездоликий» и «Заупокойные песнопения» Стравинского. В дальнейшем коллективом руководили Василий Синайский (1991–1996) и Марк Эрмлер (1996–1998).
За пультом оркестра стояли крупнейшие отечественные и зарубежные дирижеры – Андре Клюитанс, Игорь Маркевич, Шарль Мюнш, Зубин Мета, Джордже Энеску, Неэме Ярви, Марис Янсонс, Джансуг Кахидзе, Курт Мазур, Евгений Светланов, композиторы Бенджамин Бриттен, Игорь Стравинский, Кшиштоф Пендерецкий. Именно с этим коллективом связан единственный дирижерский опыт Святослава Рихтера. С оркестром играли практически все крупнейшие солисты второй половины XX века: Исаак Стерн, Иегуди Менухин, Гленн Гульд, Эмиль Гилельс, Давид Ойстрах, Леонид Коган, Даниил Шафран, Яков Флиер, Николай Петров, Мстислав Ростропович, Владимир Крайнев, Маурицио Поллини, Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман и многие другие. Оркестр записал более 350 пластинок и CD, многие из которых удостоены высших международных наград в области аудиозаписи и пользуются спросом до сих пор.
Новый этап в истории оркестра Московской филармонии начался в 1998 году, когда его возглавил народный артист СССР Юрий Симонов. Под его руководством коллектив добился выдающихся творческих достижений. Сегодня оркестр – одна из опор российской филармонической жизни, часто выступает в городах России (за последние десять лет они дали концерты в более чем 40 городах), успешно гастролирует в Великобритании, Германии, Испании, Японии, Гонконге, Китае, Корее.
В последние десятилетия с оркестром выступали выдающиеся музыканты современности: Марк-Андре Амлен, Валерий Афанасьев, Юрий Башмет, Борис Березовский, Юйцзя Ван, Максим Венгеров, Штефан Владар, Хибла Герзмава, Давид Герингас, Барри Дуглас, Лилия Зильберштейн, Суми Чо, Лора Клейкомб, Александр Князев, Сергей Крылов, Джон Лилл,
Николай Луганский, Константин Лифшиц, Олег Майзенберг, Денис Мацуев, Екатерина Мечетина, Виктория Муллова, Даниэль Поллак, Вадим Репин, Сергей Ролдугин, Дмитрий Ситковецкий, Виктор Третьяков; дирижеры Лучано Акочелла, Семен Бычков, Александр Ведерников, Михаэль Гюттлер, Александр Дмитриев, Марко Замбелли, Томас Зандерлинг, Александр Лазарев, Андрес Мустонен, Василий Петренко, Бенжамин Пьоннье, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский, Леонард Слаткин, Саулюс Сондецкис, Антонино Фольяни, Марис Янсонс и многие другие.
Один из приоритетов оркестра – работа с новым поколением музыкантов: в рамках цикла «Звезды XXI века» коллектив сотрудничает с одаренными солистами, начинающими путь на большую сцену, приглашает в свои филармонические абонементы молодых артистов. Оркестр – неизменный участник международных и Всероссийских мастер-курсов для молодых дирижеров Юрия Симонова, организованных Московской филармонией.
Деятельность маэстро Симонова и оркестра в значительной степени направлена на воспитание юных слушателей. Огромную популярность завоевал абонементный цикл «Сказки с оркестром», проходящий в Москве и во многих городах России с участием звезд театра и кино. Среди них – Марина Александрова, Мария Аронова, Алена Бабенко, Валерий Баринов, Сергей Безруков, Анна Большова, Ольга Будина, Валерий Гаркалин, Сергей Гармаш, Нонна Гришаева, Екатерина Гусева, Евгения Добровольская, Михаил Ефремов, Евгений Князев, Авангард Леонтьев, Павел Любимцев, Дмитрий Назаров, Александр Олешко, Ирина Пегова, Юлия Пересильд, Михаил Пореченков, Евгения Симонова, Григорий Сиятвинда, Даниил Спиваковский, Юрий Стоянов, Евгений Стычкин, Виктория Толстоганова, Михаил Трухин, Геннадий Хазанов, Чулпан Хаматова, Сергей Шакуров. Этот проект принес маэстро Симонову звание лауреата Премии Мэрии Москвы в области литературы и искусства за 2008 год. В 2010 году Юрий Симонов и оркестр стали лауреатами Премии национальной газеты «Музыкальное обозрение» в номинации «Дирижер и оркестр».
В последние годы коллектив представил ряд московских, российских и мировых премьер. Прозвучали сочинения Андрея Эшпая, Бориса Тищенко, Кшиштофа Пендерецкого, Филипа Гласса, Александра Чайковского, Сергея Слонимского, Валентина Сильвестрова, Эдуарда Артемьева, Геннадия Гладкова, Софии Губайдулиной, Алексея Рыбникова, Ефрема Подгайца, Кузьмы Бодрова и других композиторов.
Юрий Симонов
Юрий Симонов родился в 1941 году в Саратове. Окончил Ленинградскую государственную консерваторию имени Н. А. Римского-Корсакова в 1965 году по специальности «альт» (класс Юрия Крамарова), в 1969 году – по специальности «симфоническое дирижирование» (класс Николая Рабиновича). В 1966 году стал лауреатом II Всесоюзного конкурса дирижеров в Москве, в 1967-м был назначен главным дирижером оркестра Кисловодской филармонии. В 1968 году завоевал I премию на V Международном конкурсе дирижеров в Риме, организованном Национальной академией Санта-Чечилия, став первым советским дирижером – победителем международного конкурса. В том же году по приглашению Евгения Мравинского был принят ассистентом в Заслуженный коллектив Республики Академический симфонический оркестр Ленинградской филармонии.
В январе 1969 года дебютировал в Большом театре СССР оперой «Аида» Верди, спустя год, после триумфального выступления на гастролях театра в Париже, был назначен главным дирижером театра и занимал этот пост в течение пятнадцати с половиной лет. Под его управлением состоялись премьеры опер «Руслан и Людмила» Глинки, «Псковитянка» Римского-Корсакова, «Так поступают все женщины» Моцарта, «Кармен» Бизе, «Замок герцога Синяя Борода» Бартока, балетов «Золотой век» Шостаковича, «Анна Каренина» Щедрина, «Деревянный принц» Бартока. В 1979 году им была поставлена опера «Золото Рейна», ознаменовав возвращение творчества Вагнера на сцену ГАБТа после почти 40 лет. В конце 1970-х годов Юрий Симонов организовал Камерный оркестр Большого театра.
В 1980-е и 1990-е годы выступал с крупнейшими симфоническими оркестрами Европы, США, Канады, Японии. Участвовал во многих международных фестивалях, осуществил ряд оперных постановок в крупнейших театрах мира. В 1982 году дебютировал с оперой «Евгений Онегин» Чайковского в лондонском Королевском театре Ковент-Гарден, четыре года спустя там же поставил «Травиату» Верди. Далее последовали «Аида» в Бирмингеме, «Дон Карлос» Верди в Лос-Анджелесе и Гамбурге, «Сила судьбы» Верди в Марселе, «Так поступают все женщины» Моцарта в Генуе, «Саломея» Р. Штрауса во Флоренции, «Хованщина» Мусоргского в Сан-Франциско, «Евгений Онегин» в Далласе, «Пиковая дама» Чайковского в Праге, Будапеште и Париже (Опера Бастий), оперы Вагнера в Будапеште.
В начале 1990-х годов Юрий Симонов был главным приглашенным дирижером Филармонического оркестра Буэнос-Айреса, в 1994–2002 гг. – музыкальным директором Бельгийского национального оркестра в Брюсселе (ONB). В 2001 году основал оркестр «Лист – Вагнер» в Будапеште. Более 30 лет был постоянным приглашенным дирижером Венгерского государственного оперного театра, в котором поставил десять музыкальных драм Вагнера, включая тетралогию «Кольцо нибелунга», а также «Пиковую даму» Чайковского. Кроме того, в 1994–2008 гг. проводил летние международные мастер-курсы (Будапешт и Мишкольц), которые посетили более 100 молодых дирижеров из 30 стран мира. Венгерское телевидение посвятило Юрию Симонову три фильма.
Дискография маэстро представлена альбомами, выпущенными фирмами «Мелодия», EMI, Collins Classics, Cypres, Hungaroton, Le Chant du Mondе, Pannon Classic, Sonora, Tring International, а также видеозаписями спектаклей Большого театра (Kultur, США).
С 1998 года Юрий Симонов – художественный руководитель и главный дирижер Академического симфонического оркестра Московской филармонии. Под его управлением коллектив исполнил около трехсот программ в Москве, состоялись многочисленные гастроли оркестра по России, США, Великобритании, Германии, Испании, Китаю, Южной Корее, Японии и другим странам. Восторженная зарубежная пресса отмечала: «…Визит оркестра Московской филармонии стал бесспорным триумфом, когда музыканты с наслаждением исполняли музыку их родины и демонстрировали свои лучшие качества, а выразительное дирижирование Юрия Симонова отражало его страсть и погружение в эту музыку. Ошеломляющее выступление русских исполнителей – оркестра мирового класса – и два часа величия музыкального идеала».
4 марта 2021 года Юрий Симонов отметил 80-летие концертом в Зале имени П. И. Чайковского, где оркестром Московской филармонии вместе с маэстро дирижировали его молодые коллеги и ассистенты Игорь Манашеров, Димитрис Ботинис, Алексей Рубин, Николай Цинман и Андрей Колясников.
Активную творческую деятельность дирижер сочетает с преподавательской: в 1978–1991 гг. он вел класс оперно-симфонического дирижирования в Московской консерватории (с 1985 года – профессор). С 2006 года преподает в Санкт-Петербургской консерватории, с 2009 года – в ГМПИ имени М. М. Ипполитова-Иванова. В 2016 году удостоен звания почетного профессора Саратовской консерватории, в 2019 году – Санкт-Петербургской консерватории и ГМПИ имени М. М. Ипполитова-Иванова.
Маэстро проводил дирижерские мастер-классы в разных городах России, а также в Цюрихе, Лондоне, Тель-Авиве, Будапеште, Алма-Ате, Риге; неоднократно делился опытом с молодыми дирижерами на международных и всероссийских мастер-курсах, организованных Московской филармонией. Участвовал в работе жюри конкурсов во Флоренции, Токио, Москве и Будапеште. В 1983 году был председателем жюри V Всесоюзного конкурса дирижеров, в 2011, 2015 и 2019 годах возглавлял жюри по специальности «оперно–симфоническое дирижирование» на Всероссийском музыкальном конкурсе в Москве.
Маэстро проводит также мастер-классы для студенческих оркестров консерваторий Санкт-Петербурга, Саратова, Екатеринбурга. В сентябре 2008 года подготовил программу и провел концерты с Молодежным симфоническим оркестром СНГ в Москве, Баку, Душанбе и Алма-Ате.
В 2017 году учредил ежегодную премию «Стремись стать рыцарем и защитником классической музыки» для лучшего выпускника саратовской Центральной музыкальной школы, которую сам окончил в 1956 году. С родным городом его также связывают постоянное участие в Собиновских фестивалях и выступления с Академическим симфоническим оркестром Саратовской филармонии. В июле 2021 года удостоен звания «Почетный гражданин Саратова».
Юрий Симонов – народный артист СССР (1981), кавалер ордена Почета (2001), удостоен ордена Заслуг Венгерской Республики (офицерский крест, 2001), ордена Звезды Румынии (командор, 2003), ордена Заслуг перед Республикой Польша (1988). Лауреат Премии мэрии Москвы в области литературы и искусства (2008). Кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством» IV и III степени. В 2016 году Международным союзом музыкальных деятелей удостоен Золотой медали «Заслуженный деятель музыкального искусства».
Денис Мацуев
Денис Мацуев родился в 1975 году в Иркутске.
Окончил Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского, где
его педагогами были Алексей Наседкин и Сергей Доренский. Широкую известность
пианисту принесла победа на XI Международном конкурсе имени П. И. Чайковского в
1998 году.
Денис Мацуев выступает в лучших концертных залах мира. Сольные концерты музыканта проходили в Карнеги-холле в Нью-Йорке, чикагском Симфони-холле, Доме симфонической музыки Монреаля, Кернер-холле в Торонто, Виктория-холле в Женеве, Концертхаусе и Музикферайне в Вене, Королевском Фестивал-холле в Лондоне, Гевандхаусе в Лейпциге, Национальной аудитории Мадрида, Консерватории имени Верди в Турине, Тонхалле в Цюрихе, Консертгебау в Амстердаме, Театре Елисейских Полей в Париже, Филармонии на Эльбе в Гамбурге, зале Гастайг в Мюнхене, Римской филармонической академии, Миланской консерватории, крупнейших залах Бостона, Вашингтона, Москвы, Санкт-Петербурга и других российских городов.
Музыкант принимает участие во всемирно известных фестивалях в Эдинбурге, Баден-Бадене, Шлезвиг-Гольштейне, Рейнгау, Вербье, Чикаго («Равиния»), Лос-Анджелесе, Санкт-Петербурге («Звезды Белых ночей»), Зальцбурге (Пасхальный фестиваль), Люцерне, Линце (Фестиваль Брукнера), Стокгольме (Фестиваль Балтийского моря), Стрезе, Экс-ан-Провансе, Ла-Рок-д’Антероне, Бухаресте и других.
Среди партнеров пианиста по сцене – всемирно известные коллективы США (Нью-Йоркский филармонический, Лос-Анджелесский филармонический, симфонические оркестры Чикаго, Филадельфии, Питтсбурга, Цинциннати), Германии (Мюнхенский филармонический, оркестры Берлинской филармонии, Баварского радио, лейпцигского Гевандхауса, Западногерманского радио, Государственная капелла Дрездена), Франции (Национальный оркестр, Оркестр де Пари и Филармонический оркестр Радио Франс), Великобритании (Симфонический оркестр Би-би-си, Лондонский симфонический, Лондонский филармонический, Королевский филармонический и оркестр «Филармония»), а также оркестры амстердамского Консертгебау, Мариинского театра, Симфонический оркестр Монреаля, оркестры театра Ла Скала, Национальной Академии Санта-Чечилия, Венский симфонический, Израильский и Роттердамский филармонические, Симфонический оркестр Осло, Национальный оркестр Бельгии, оркестр Романдской Швейцарии, Люцернский симфонический, Будапештский фестивальный и Фестивальный оркестр Вербье, оркестр фестиваля «Флорентийский музыкальный май» и Камерный оркестр Европы.
Денис Мацуев неоднократно выступал с выдающимися дирижерами современности, такими как Валерий Гергиев, Юрий Темирканов, Марис Янсонс, Зубин Мета, Риккардо Шайи, Кристиан Тилеманн, Курт Мазур, Лорин Маазель, Пааво Ярви, Антонио Паппано, Шарль Дютуа, Алан Гилберт, Владимир Федосеев, Юрий Башмет, Михаил Плетнёв, Владимир Спиваков, Леонард Слаткин, Иван Фишер, Семён Бычков, Джанандреа Нозеда, Мюнг-Вун Чунг, Юкка-Пекка Сарасте, Манфред Хонек, Джеймс Конлон, Александр Сладковский, Неэме Ярви, Кристиан Ярви и многие другие.
Денис Мацуев – солист Московской филармонии с 1995 года, с 2004 года представляет свой ежегодный персональный абонемент. При этом он много гастролирует по России, участвует в региональных фестивалях и активно способствует развитию филармонического искусства в стране.
Денис Мацуев возглавляет Благотворительный фонд «Новые имена» имени Иветты Вороновой, а также является художественным руководителем международных конкурсов для молодых пианистов Piano Passion в Астане и Grand Piano Competition в Москве. Арт-директор Фонда имени С. В. Рахманинова. В 2006 году пианист вошел в состав Совета по культуре и искусству при Президенте Российской Федерации.
Знаковым событием для музыканта стало присуждение одной из наиболее престижных мировых музыкальных наград – Премии имени Д. Д. Шостаковича, которая была вручена ему в 2010 году. В том же году Денис Мацуев стал лауреатом Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства, а в 2011 году пианисту было присвоено звание «Народный артист России». В том же году он стал Почетным профессором МГУ имени М. В. Ломоносова. С 2012 года Денис Мацуев возглавлял Общественный совет при Министерстве культуры РФ.
В 2014 году Денис Мацуев был удостоен чести выступить на официальной церемонии закрытия XXII Зимних Олимпийских игр в Сочи. В 2014 году ЮНЕСКО присвоила пианисту почетное звание «Посол доброй воли ЮНЕСКО». В 2016 году Денис Мацуев стал послом Чемпионата мира по футболу FIFA 2018 в России и выступил идейным вдохновителем и организатором гала-концерта с участием Валерия Гергиева, Анны Нетребко, Пласидо Доминго и других звезд классического искусства на Красной площади 13 июня 2018 года в Москве в преддверии Чемпионата мира по футболу в России. В 2022 году – художественный руководитель Международного конкурса пианистов, композиторов и дирижеров имени С. В. Рахманинова. В 2019 и 2023 гг. – председатель жюри в категории «фортепиано» Международного конкурса имени П. И. Чайковского.
В 2016 году Денис Мацуев был награжден орденом Почета, а также стал лауреатом Премии Правительства России в области культуры за Международный музыкальный фестиваль «Звезды на Байкале». В 2019 году удостоен Золотой медали имени Льва Николаева «за существенный вклад в просвещение, популяризацию достижений науки и культуры». В 2020 году на фирме Deutsche Grammophon вышел альбом Дениса Мацуева и камерного оркестра «Вена – Берлин» с произведениями Шостаковича, Шнитке и Лютославского. В 2021 году впервые в истории Международной премии в области классической музыки ICMA российский исполнитель стал лауреатом в номинации «Лучшая видеозапись»: награды удостоена рахманиновская программа, представленная Денисом Мацуевым и оркестром Люцернского фестиваля под управлением Риккардо Шайи.
БИЛЕТЫ
О ФИЛАРМОНИИ
КАССЫ
