Закрыть

Уважаемые слушатели! В продаже абонементы сезона 2017-2018
Перейти к списку абонементов

    V Международный фестиваль
    актуальной музыки
    «Другое пространство»

    2 ноября 2016, начало в 19:00

    Концертный зал имени П. И. Чайковского

    схема проезда
    Видеозапись концерта
    В программе:
    Пайбердин
    Vox / «Глас» для большого симфонического оркестра (Премьера оркестровой версии, 2016)
    Д. Куртаг
    «Маленькая торжественная музыка в честь Пьера Булеза» для оркестра (Российская премьера)
    П. Булез
    «Ритуал памяти Бруно Мадерны» для оркестра из восьми групп
    В. Мартынов
    «Танцы с умершим другом» для фортепиано с оркестром
    В. Николаев
    «Фантомы» для симфонического оркестра (Мировая премьера)
    Уствольская
    Симфония № 2 «Истинная, Вечная Благость» для оркестра и голоса соло на текст Германа Расслабленного


    Уважаемые слушатели! Обращаем ваше внимание, что обладатели абонемента №10 "V Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство»" или билета на концерт 2 ноября в 19:00 могут бесплатно посетить концерт ГАМ-ансамбля в 22:00.

    12+

    Абонемент №10:

    V Международный фестиваль актуальной музыки
    «Другое пространство»

    Полную программу фестиваля вы можете посмотреть здесь

    Олег Пайбердин (р. 1971) 

    Vox / «Глас» для большого симфонического оркестра (Премьера оркестровой версии, 2016)

    Название Vox («Глас») подчеркивает важную для меня внутреннюю связь с ранней европейской музыкальной традицией, конкретнее, с жанром органума. В этом жанре на протяжении веков монодия (одноголосие) постепенно превращалась в многоголосие. Голос, ведущий хоральную мелодию, назывался vox principalis. Параллельно дублирующий хоральную мелодию голос назывался vox organalis.

    Именно в жанре органума возникла четкая грань, отделившая монодическое мышление в музыкальной культуре всего Древнего мира (включая и Древний Восток), монодические ранние формы христианского пения от новозападной культуры, основанной на многоголосной гармонии. В органуме vox organalis как будто поменялся местами с vox principalis. Ведущий голос ушел в тень, стал сопровождающим («аккомпанирующим»), растянулся под влиянием голосов «надстройки» и растворился во времени. Произошла аберрация восприятия: органальные голоса в силу коротких длительностей и расположения над основным голосом, переключили внимание на себя.

    В сочинении Vox мне хотелось совершить движение как бы в обратном направлении. Подойти к той точке, где vox principalis обретает себя, где мелизматическая органальная (интонационная) «надстройка» горизонтально прикрепляется в конце каждого хорального звука и становится его завершающим кадансом. Вертикаль снова превращается в горизонталь. Происходит возвращение к истокам. В этом смысле vox — уже глас, призыв, зов.

    Олег Пайбердин


    Владимир Николаев (р. 1953)

    «Фантомы» для симфонического оркестра (Мировая премьера)

    Фантомы — это и причудливая игра звуковых пространств, и неуловимые, ускользающие образы, трудно поддающиеся определению. Они живут своей таинственной жизнью, рождаемые пластикой дирижерских рук. Их трудно разглядеть, невозможно ухватить. Тем не менее, из них возникает вполне зримая конструкция, складывается законченная история…

    Владимир Николаев


    Пьер Булез (1925—2016) 

    «Ритуал памяти Бруно Мадерны» для оркестра из восьми групп

    Булез «Ритуал» посвятил памяти Бруно Мадерны (1920-1973), итальянского композитора, педагога и дирижера. Мадерна был другом Булеза, его товарищем по Дармштадтским курсам, одним из родоначальников, энтузиастов и популяризаторов послевоенной новой музыки.

    Среди всех сочинений Булеза «Ритуал» – самое экстравертное и драматургически эффектное. Своей яркой сценичностью и чеканными мотивами-сигналами оно способно захватить даже слушателя, мало знакомого с музыкой композитора. Булез называет «Ритуал» «церемонией памяти, где происходят многочисленные повторения одной и той же формулы в постоянно изменяющихся окружениях и перспективах». Принцип постоянного «переживания заново» одной музыкальной идеи во многом подсказан равелевским «Болеро». Здесь эта идея-структура строится на мотивных группах, состоящих из звуков, в обозначениях которых заложена анаграмма фамилии MADERNA.Кшиштоф Пендерецкий находил в этой партитуре также сближение с «ритуальными» произведениями Мессиана.

    Состав оркестра «Ритуала» весьма обширен. Число духовых – от 4 до 6 на каждый род инструментов, также участвует 9 исполнителей на ударных и при этом всего 6 скрипок, 2 альта и 2 виолончели. Оркестр с самого начала разделен на восемь групп разной величины, расположенных на сцене внешне в строгом симметричном порядке, предписанном автором в виде специального рисунка в партитуре. Сама идея пространственного разделения подсказана Булезу творчеством Мадерны, памяти которого эта вещь посвящена и который в своей музыке неоднократно обращался к подобным решениям (как, например, в Quadrivium 1969 года).

    Каждая из групп состоит из определенного количества либо духовых, либо струнных инструментов, и к каждой «прикомандирована» одна группа ударных – за исключением последней, восьмой (VIII), самой многочисленной группы, расположенной на самом дальнем крае сцены: здесь ансамбль из 4 труб, 6 валторн и 4 тромбонов сопровождают сразу две группы ударных. 

    Ударные задают темп и пульсацию для каждой из групп, в которой они участвуют. Таким образом каждая группа «живет» в своем независимом темпе, и когда они начинают звучат вместе, возникает последовательный эффект «политемповости»: полифонии движений и пульсов, общим стержнем которой является лишь дирижер. Так Булез реализует идею подвижности и открытости музыкальной структуры. 

    Премьера состоялась в Лондоне в 1975 году в исполнении Симфонического оркестра Би-Би-Си под управлением автора.

    Антон Сафронов


    Дьёрдь Куртаг (р. 1926) 

    «Маленькая торжественная музыка» для оркестра (посвящается Пьеру Булезу)

    Это короткое оркестровое «приношение» Куртаг написал в 2015 году по заказу Люцернского фестиваля, где чествовали Булеза к его 90-летию. «Маленькая торжественная музыка» продолжает череду многочисленных «посвящений», «приношений» и «посланий» Куртага – и оно далеко не первое из его сочинений, посвящённых Булезу. Ровно 30 лет назад композитор предпослал ему один из своих «Фрагментов из Кафки» (1986), а в 2000 году посвятил Булезу короткое «приношение» для фортепиано. Булез сыграл очень важную роль в жизни Куртага, дав ему путёвку в большую жизнь, когда исполнил вокальный цикл «Послания покойной Р. В. Трусовой» на слова Риммы Далош (1980). С этого исполнения началась мировая известность Куртага. Оба композитора, почти что ровесники (Булез был старше Куртага всего на один год), представляют собой совершенно разные, едва ли не полярные творческие миры. Звуковой мир Булеза абсолютно однороден и «аутопоэтичен». Мир Куртага — это постмодернистская открытость, «интертекстуальный» диалог музыкальных знаков и жестов. При этом отношение двух авторов друг к другу всегда отличалось неизменным уважением и интересом.

    В приношении Булезу Куртаг использует большой состав оркестра с расширенной группой ударных и «декоративно»-мелодических инструментов, в которую входят, среди прочего, арфа, челеста, вибрафон, колокол, баян, стальной барабан (с определённой высотой звука), засурдиненное пианино и венгерские цимбалы: излюбленный инструмент композитора, создающий ностальгическое звучание его родины. Оркестр звучит медленно и торжественно, с преобладанием хорального склада — подобно «звуковой стеле». Звуковые монолиты и диалоги массивных инструментальных групп создают тонкие звуковые перекраски, оттенки смыслов и аллюзий. Как и во многих сочинениях Куртага, в ремарках к партитуре подчёркивается ряд важных ассоциаций. В начале цитируются обозначения из сонат Бетховена: из первой части Сонаты опус 27 №1 («Лунной») — “si deve suonare tutto pezzo questo delicatissimamente” («всю эту пьесу требуется исполнять деликатнейшим образом») — и из медленной части Сонаты опус 106 («Хаммерклавир») — “con molto sentimento” («с сильным чувством»). К последней музыкальной фразе сочинения подписаны слова, перефразирующие «мотивный эпиграф» из последнего квартета Бетховена опус 135: “…Soll es sein?...” — вместо “Muss es sein?” («…Нужно ли этому быть?... » — вместо «Должно ли это быть? »).

    Сочинение прозвучало на Люцернском фестивале в августе 2015 года под управлением Маттиаса Пинчера, немецкого композитора и дирижёра. Осенью того же года сверхтребовательный к себе композитор сделал новую редакцию партитуры. В этой редакции звучит российская премьера «Маленькой торжественной музыки».

    Антон Сафронов


    Галина Уствольская (1919—2006) 

    Симфония № 2 «Истинная, Вечная Благость» для оркестра и голоса соло на текст Германа Расслабленного (1979)

    Cочинение открывает период поздних симфоний Уствольской (со Второй по Пятую), которые по содержанию и композиционным принципам разительно отличаются от ее первого произведения с аналогичным жанровым обозначением. Составы исполнителей всех этих четырех партитур весьма непривычны для симфонического жанра. Число участников в каждой из симфоний Уствольской, начиная с Третьей, не превышает небольшого ансамбля солистов. В них также участвует голос – всякий раз с текстами духовного содержания. Подзаголовок Второй симфонии («Истинная, Вечная Благость») был удален с титульного листа советского издания партитуры. Во всех зрелых симфониях Уствольской голос звучит одиноко, из подполья, словно рвущийся к Божественному из глубокой бездны. Не случайно автор подчеркивает, что это «голос соло», и ставит его обозначение уже после перечня инструментов, участвующих в сочинении.

    Голос вступает всегда редко и весьма скупо. Текст, который он озвучивает, расширяет смысл в высшей степени экспрессивного звучания инструментальной части. Это не столько пение, сколько призыв – или даже отчаянный выкрик, ощущение себя во Тьме, из которой лишь угадываются далекие очертания Света. Согласно ремаркам самой Уствольской, солист должен быть одет в черную рубашку и использовать микрофон. Если последняя, Пятая симфония Уствольской («Amen», 1990) написана на слова канонической молитвы «Отче наш», то во Второй, Третьей и Четвертой симфониях звучат русские переводы отрывков из поэтических текстов Германа Расслабленного (Германа из Райхенау, 1013-1054) –средневекового монаха, выдающегося ученого, поэта и музыканта, с детства страдавшего параличем. (Позднее он был прославлен Римско-католической церковью.)

    Из поздних симфоний Уствольской Вторая – самая большая по числу исполнителей. В ней участвуют всего 24 человека, включая голос. Как и во многих сочинениях Уствольской, состав предельно аскетичен в выборе тембров, но изобилует непривычно большим числом инструментов одного и того же вида, объединенных в группы: 6 флейт, 6 гобоев, 6 труб, 1 тромбон, 1 туба, 2 ударных (средний и малый барабан) и 1 рояль (с открытой крышкой). Струнных нет вообще. Такой «непрактичный» состав, весьма характерный для Уствольской, – причина, по которой ее Вторая симфония столь редко исполняется в концертах. Предельные концентрации одних и тех же тембров создают мощнейшие звуковые “грозди” (кластеры) – излюбленные элементы музыкального языка Уствольской, до крайности уплотняющие ее и без того заостренные музыкальные фразы, сталкивающиеся в высоких и низких регистрах.

    Как и всегда у Уствольской, текст Германа Расслабленного сводится лишь к нескольким строкам, которые звучат в партии солиста:

    Господи!
    Истинная и Благая Вечность!
    Вечная и Благая Истина!
    Истинная, Вечная Благость!
    Господи!

    Антон Сафронов


    Владимир Мартынов (р. 1946) 

    «Танцы с умершим другом» для фортепиано с оркестром

    «Тогда, можно поручиться, человек исчезнет как исчезает лицо, начертанное на прибрежном песке» – под знаком этих слов, написанных Мишелем Фуко в 1966 году, для меня прошла вся вторая половина XX века. На моих глазах мир с каждым годом все явственнее и явственнее утрачивал привычные человеческие черты. Но это всеобщее и глобальное исчезновение человека навсегда обозначилось для меня через одно событие. В 1966 году в возрасте 19 лет умер мой друг Юрий Чернушевич. Мы вместе учились в училище, вместе поступали в консерваторию, вместе постигали секреты композиции под руководством Николая Николаевича Сидельникова и мечтали о новых формах музицирования. Одаренность Чернушевича носила какой-то особый характер, и мне кажется, что картина современной музыкальной жизни была бы иной – будь он жив. Буквально за месяц до смерти он закончил лучшее свое произведение – «Мадригалы на стихи Омара Хайяма». Текст заключительного мадригала сразу же показался каким-то странно-пророческим:

    Этот мир зеленый, алый, голубой

    Будет скоро отнят у тебя судьбой.

    Так ступай и сердце ты вручи тому,

    Кто всегда с тобой, кто везде с тобой.

    Именно этот мадригал я выбрал в качестве отправной точки для нашего воображаемого совместного музицирования, для нашего воображаемого диалога. Вряд ли это можно назвать произведением в полном смысле этого слова. Скорее это попытка услышать шум набегающих волн времени, попытка удержать в памяти ускользающий образ…»

    Владимир Мартынов

    Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова

    Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

    В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941 гг.), Натан Рахлин (1941-1945 гг.), Константин Иванов (1946-1965 гг.) и Евгений Светланов (1965-2000 гг.). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова. В 2000-2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002-2011 гг. – Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра – Василий Петренко.

    Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

    За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

    С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

    Впервые отправившись в зарубежные гастроли в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

    Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

    В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена – Малера, Скрябина – Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

    В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер – мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин. 

    За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.


    Владимир Юровский

    Родился в 1972 году в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя Государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки имени Вебера и Берлинской Высшей школе музыки имени Эйслера.

    Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 году с триумфом дебютировал на международной сцене – в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Римского-Корсакова). С тех пор сотрудничает с крупнейшими театрами, среди которых Ковент-Гарден (Лондон), Опера Бастий (Париж), Метрополитен-опера (Нью-Йорк), Комише Опер (Берлин), Ла Фениче (Венеция), Ла Скала (Милан), Большой театр России и другие. Выступает с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауса, Консертгебау, Баварского радио и многими другими. В 2001-2013 гг. – музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005-2009 гг. – главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 – главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером), с которыми провел фестивали «Открывая Чайковского», «Меж двух миров» (к 75-летию со дня рождения Шнитке) и другие. С 2009 сотрудничает с Камерным оркестром Европы. С 2017 года – художественный руководитель Фестиваля имени Энеску в Бухаресте, главный дирижер Оркестра Берлинского радио.

    С 2011 года – художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России имени Евгения Светланова. Выступал с коллективом на фестивале «Площадь искусств» (Санкт-Петербург), на III симфоническом форуме России (Екатеринбург), в концертах, посвященных памяти Евгения Светланова и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил мировые премьеры оперы «Король Лир» Слонимского, «Песни Лукерьи» и «Песни восхождения» Вустина, «Наваждения» Прокофьева в оркестровке Геннадия Гладкова, российские премьеры Симфонии № 3 Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Щедрина, Симфоний №№ 5 и 9 Бетховена в редакции Малера, оперы «Прометей» Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» Скрябина – Немтина, московскую премьеру «Погребальной песни» Стравинского. По инициативе дирижера в 2012 году возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Музее-заповеднике Чайковского в Клину). В 2016 году в зале имени Чайковского под руководством маэстро прошли четвертый ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает» и пятый фестиваль «Другое пространство».

    Юровский был дирижером-постановщиком опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Верди, «Борис Годунов» Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Руслан и Людмила» Глинки, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Яначека, «Похождения повесы» Стравинского, «Моисей и Аарон» Шёнберга, «Воццек» Берга, «Огненный ангел» Прокофьева, «Любовь и другие демоны» Этвеша, Vita Nuova Мартынова и других.

    В дискографии Юровского – записи симфоний Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера, Воана-Уильямса, Шостаковича, Шнитке, симфонических произведений Гайдна, Вагнера, Р. Штрауса, Рахманинова, Равеля, Холста, Онеггера, Бриттена, Джулиана Андерсона, опер Хумпердинка, Россини, Мейербера, Массне, Пуччини, Цемлинского, Рахманинова, Прокофьева, Стравинского, Казеллы, Блоха, Тернеджа, Мишеля ван дер Аа, Андрея Семёнова и других.

    В 2000 году Юровский стал обладателем Abbiati Prize как «лучший дирижер года», в 2015 – BBC Music Magazine Award за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Вагнера; в 2007 году отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 номинирован на премию Grammy. Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности. В 2016 году Юровский удостоен званий почетного доктора Королевского колледжа музыки (Лондон) и почетного профессора Московского государственного университета.

    Алексей Любимов

    Пианист, клавесинист, органист, педагог, профессор Московской консерватории,один из самых неординарных и разносторонних музыкантов современности. Родился в Москве в 1944 году.Учился у Анны Артоболевской в Центральной музыкальной школе, Генриха Нейгауза и Льва Наумова в Московской консерватории. Огромное влияние на формирование взглядов Любимова оказала Мария Юдина. В 16 лет стал победителем Всероссийского конкурса пианистов в Москве. Будучи студентом Консерватории, в 1965 году завоевал Iпремию и золотую медаль IV Международного конкурса в Рио-де-Жанейро, в 1968 – стал лауреатом Международного конкурса в Монреале.

    С 1968 года Алексей Любимов начал интенсивно концертировать в СССР и за рубежом. В 1975 году стал солистом Московской филармонии. Творчество музыканта впечатляет широчайшим диапазоном: от опусов английских верджиналистов, исполняемых на старинном клавесине, до смелых экспериментов Кейджа, Штокхаузена и Булеза. Убежденный сторонник аутентичного исполнения музыки XVII-XIX веков,Любимов сотрудничает с крупнейшими коллективами и музыкантами, практикующими исполнение старинной музыки на оригинальных инструментах различных эпох. Первым в нашей стране начал играть на исторических клавесинах и фортепиано, являлся одним из создателей ансамблей «Московский барочный квартет» (1975) и «Академия старинной музыки» (1982).

    Другой приоритет артиста – музыка ХХ-XXI веков. Он был основателем и руководителем ансамбля «Музыка – ХХ век» (1969-1974), впервые в стране исполнившего многие произведения Булеза, Штокхаузена, Кейджа, Райли. Благодаря Любимову обрели концертную жизнь многие произведения Сильвестрова, Пярта, Волконского, Шнитке, Денисова, Мартынова, Уствольской, Пелециса, Немтина, Рабиновича, Карманова, Кнайфеля, Суслина, Мансуряна. Участвовал в организации ряда фестивалей авангардной музыки в Риге и Таллине (1976-1978). Инициатор и художественный руководитель (до 1992 года) Международного фестиваля авангардной и экспериментальной музыки «Альтернатива», регулярно проводящегося в Москве с 1988 года, а также I Фестиваля Арнольда Шёнберга в Московской консерватории (1999).

    В числе оркестров, с которыми выступал пианист, – коллективы Санкт-Петербургской и Московской филармоний, Израильский, Мюнхенский, Лос-Анджелесский филармонические оркестры, Лондонский королевский филармонический оркестр, филармонический оркестр Radio France, симфонические оркестры Токио, Торонто, Берлина, Лейпцига, Хельсинки, камерный оркестр Нидерландов, Оркестр Века Просвещения, «Венская академия», Collegium Vocale Gent и многие другие. Среди дирижеров, с которыми выступал Любимов, – Кирилл Кондрашин, Давид Ойстрах, Натан Рахлин, Геннадий Рождественский, Михаил Плетнев, Владимир Ашкенази, Франс Брюгген, Марек Яновский, Роджер Норрингтон, Эса-Пекка Салонен, Кристофер Хогвуд, Чарлз Маккеррас, Неэме Ярви, Кент Нагано, Андрес Мустонен, Юкка-Пекка Сарасте. Партнерами артиста по камерному ансамблю были Наталия Гутман, Олег Каган, Виктор Третьяков, Петер Шрайер, Татьяна Гринденко, Марк Пекарский, Александр Рудин, Иван Монигетти, Генрих Шифф, Андреас Штайер, Кристиан Тетцлафф, Виктория Иванова, Светлана Савенко, Лидия Давыдова и другие выдающиеся музыканты.

    Любимов постоянно участвует в различных международных фестивалях: «Посвящение» в Государственной Третьяковской галерее и «Посвящение Олегу Кагану» (Москва), фестивали Иегуди Менухина в Гштаде, Гидона Кремера в Локенхаусе, Зальцбургский фестиваль, «Каринтийское лето», Berliner Festwochen, Holland Festival, Mostly Mozart в Нью-Йорке и многие другие. С 1991 года Любимов – художественный руководитель Музыкального фестиваля в Санкт-Галлене (Австрия). Член художественного совета фестиваля «Декабрьские вечера» и молодежного фестиваля ArsLonga. 

    В 1968-1975 годах Любимов преподавал в Московской консерватории (класс камерного ансамбля). В 1995 вернулся в консерваторию, а в 1997 стал одним из инициаторов создания и возглавил Факультет исторического и современного исполнительского искусства, на котором впервые в России были введены программы обучения на старинных инструментах. С 1998 года Любимов является также профессором университета Моцартеум в Зальцбурге. Член жюри многих международных конкурсов.

    В последние годы Любимов с учениками и молодыми коллегами каждый сезон предлагает слушателям изысканные программы на клавишных инструментах разных эпох, среди которых клавикорд, клавесин, тангентенфлюгель, орган-позитив, молоточковое фортепиано (Hammerklavier), тафель-клавир, рояль «Эрар» середины XIX века, современные рояли.Дискография Любимова насчитывает свыше 50 CD, записанных на лейблах Erato, Sony Classical, Teldec, BIS, EСM, Decca, Megadisc и других. Народный артист РФ (2003). Лауреат Премии города Москвы (2001).

    Игорь Яцко

    Игорь Яцко — актер театра и кино, театральный режиссер, заслуженный артист России. Учился в Саратовском театральном училище имени И. А. Слонова (курс Юрия Киселева) и ГИТИСе (курс Анатолия Васильева). Дебютировал как актер на сцене саратовского ТЮЗа (1985). С 1990 года работает в театре «Школа драматического искусства», с 2007 по 2014 год — главный режиссер театра. С 2014 — художественный руководитель режиссерско-актерской лаборатории в театре. Играл в спектаклях: «Сегодня мы импровизируем» Л. Пиранделло, «Иосиф и его братья» по Т. Манну, «Амфитрион» Ж.-Б. Мольера, «А. С. Пушкин. "Дон Жуан или "Каменный гость" и другие стихи», «Моцарт и Сальери» А. С. Пушкина, «Илиада. Песнь двадцать третья» Гомера и др.

    В 2001 году дебютировал в кино (сериал «Черная комната» Александра Хвана). На сегодняшний день сыграл около 40 ролей в таких фильмах, как «Шатун», «Желанная», «Курорт особого назначения», «Место под солнцем», «Слепой», «Доктор Живаго», «Охота на гения», «Бегущая по волнам», «Русалка», «Раскол» и др.

    В режиссерском амплуа он дебютировал в 2004 году, представив в «Школе драматического искусства» 24-х часовой хэппенинг «100 лет. День Леопольда Блума. Извлечение корня времени» по роману «Улисс» Дж. Джойса. Эта акция стала громким событием в театральном мире, попав в книгу рекордов России как самый продолжительный театральный хэппенинг. Помимо этого в числе режиссерских работ Игоря Яцко «Кориолан»  Шекспира, «Каменный ангел» Цветаевой, «Саломея» Уайльда, «Человеческий голос» Кокто — Пуленка, «Каин» Байрона, «Вишневый сад» Чехова и другие постановки. Спектакль «Как важно быть серьезным» был выдвинут на премию «Золотая маска—2013» в трех номинациях.

    В 2005 году он работал с молодой труппой Театра киноактера, поставив спектакль по пьесе «Мера за меру» У. Шекспира, в 2007 с тем же коллективом подготовил спектакль «Собака на сене» Л. де Веги.

    Игорь Яцко принимал участие в исполнении оперы-оратории «Царь Эдип» Стравинского силами Государственной академической симфонической капеллы России под управлением Валерия Полянского (2004, роль Спикера); в проекте «Персимфанс» Петра Айду (2009, актер); в «Прометее» Орфа в исполнении Государственного академического симфонического оркестра России имени Е. Ф. Светланова под управлением Владимира Юровского (2014, режиссер, художественное слово).

    Игорь Яцко преподает мастерство актера в детском театральном центре «Эколь Д'Арт» (с 2001), ведет курс на актерском факультете Международного славянского института имени Г. Р. Державина (с 2007).

    Другие концерты этого абонемента
    Концертный зал имени П. И. Чайковского
    5 ноября в 19:00
    Концертный зал имени П. И. Чайковского
    6 ноября в 19:00