Детские абонементы сезона 2025-2026 в продаже
Абонементы Камерного зала и Малого зала Филармонии-2 сезона 2025-2026 в продаже
5 ноября 2016
Концертный зал имени П. И. Чайковского
схема проездаУважаемые слушатели! Обращаем ваше внимание, что обладатели абонемента №10 "V Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство»" или билета на концерт 5 ноября в 19:00, могут бесплатно посетить концерт "Академии старинной музыки" в 17:00 и концерт "Студии новой музыки" в 22:00.
Абонемент №10:
V Международный фестиваль актуальной музыки
«Другое пространство»
Карлхайнц Штокхаузен (1928—2007)
«Группы» для трех оркестров (российская премьера)
Штокхаузен написал «Группы» по заказу Западногерманского радио. Поначалу сочинение задумывалось для многоканальной электроники с большим оркестром. Затем автор отказался от электронных звучаний, преобразовал их в оркестровые и разделил оркестр на три группы. Партитуру нового сочинения он посвятил Херберту Аймерту, в то время директору Кельнской электронной радиостудии.
Работая над «Группами» в швейцарском Паспельсе (кантон Граубюнден) в окружении альпийских гор, Штокхаузен развивал, по его словам, совершенно новую концепцию времени: «Конструкции ритмических блоков в «Группах» (...) – точные линии гор, которые я видел (…) прямо перед моим окошком. Множество спектров времени, которые представлены сверх-наложениями различных ритмичных слоев (с различной скоростью в каждом слое), их конструкция, которая описывает увеличение и уменьшение числа этих слоев, их очертания – если можно так выразиться, очертания структуры времени – являются кривыми контура гор, которые я видел, когда я смотрел из окна».
Для исполнения партитуры требуется гигантский состав оркестра из 109 человек, который разделен на три примерно равные части. Каждый из трех оркестров управляется своим дирижером. В идеале композитор предполагал нахождение слушателей в центре – посреди этих групп, расположенных справа, слева и спереди. Такое пространственное разделение требовалось, чтобы одновременно играемые музыкальные фразы звучали отдельно друг от друга, но чтобы между тремя очагами звука время от времени создавались моменты экстатических кульминаций, когда звуковые процессы передаются от одного оркестра к другому.
«Группами» Штокхаузен называет также музыкально-структурные «единицы» своего сочинения, объединяемые с помощью силы звука (динамики), его краски (тембра) и высоты звучания (регистра). Соотношения этих звуковых «параметров» композитор выстраивает на основе числовых пропорций. При звучании трех оркестров образуются, по словам композитора, «коллективные» или «статистические» звуковые множества – слишком плотные, чтобы слушатель мог точно различить на слух отдельные ноты или порядок их появления. Для восприятия этой музыки важны не столько отдельные ноты, сколько их звучность (сонорность), плотность, скорость (темп), динамика и направление движения. Как и в более ранних сочинениях Штокхаузена, в основе звуковых структур «Групп» лежит ряд (серия) из неповторяющихся 12 звуков – а именно симметрично выстроенная последовательность, в которой задействованы все основные звуковые интервалы («всеинтервальная серия»). Каждая из отдельных нот (звуковысотностей) соотносится с определенной длительностью звучания (ритмической единицей) – эти соотношения подчинены пропорциональным закономерностям. Создается целая система взаимосвязей между пропорциями звуковысотностей, длительностей и регистров.
Как и в булезовском «Ритуале», в «Группах» Штокхаузена музыка звучит одновременно в нескольких темпах. Наряду с 12 неповторяющимися звуками серии (связанными со столь же неповторяющимися длительностями и регистрами), композитор создает также шкалу из 12 разных темпов, придав каждому из них предельно точное обозначение метронома (ударов в минуту) – вплоть до дробных длительностей. Композитор вспоминал, как Игорь Стравинский, впервые увидев партитуру «Групп», сказал, что такие обозначения метронома как 63,5 или 113,5 ударов в минуту (немыслимые в традиционной музыке!) – «признак немецкой дотошности».
Премьера «Групп» состоялась в 1958 году в рамках концертной серии «Музыка нашего времени» в Рейнском зале Кельнской ярмарки. Симфоническим оркестром, разделенным на три группы, управляли сам композитор, Бруно Мадерна и Пьер Булез.
Антон Сафронов
Фарадж Караев (р. 1943)
«1791» — серенада для малого оркестра (1983)
«1791» — оркестровая версия Серенады «Я простился с Моцартом на Карловом мосту в Праге», написанной для тройного состава годом раньше. Отсюда — аллюзия названий: 1791 год — год кончины Моцарта. Структура цикла сохраняет костяк классической большой симфонической формы с поправкой на ХХ век: Прелюдия, Фуга, Хорал и Постлюдия. Части посвящены коллегам композитора, так или иначе принимавшим участие в премьерном исполнении сочинения в 1993 году.
I. Прелюдия — Рауфу Абдуллаеву
Здесь цитируется материал моцартовской Lacrimosa. Ее трактовка необычна: в качестве цитаты избрана не мелодия, а фактурно-гармонический материал вступительного раздела. По сути, здесь нет ничего, кроме цитаты... которая, являясь фоном, парадоксальным образом остается фоном самой себе.
II. Фуга — Акифу Абдуллаеву
Обретает динамику стремительного, безостановочного процесса, реализуемого в неуклонно становящейся форме – двойной фуге с совместной экспозицией.
III. Хорал — Олегу Фельзеру
Готовится задолго до своего вступления. Его основной характер – остановившееся время, взгляд в вечность, оцепенение, в котором не осталось места ни печали, ни надежде. Его светлые нежные акварельные краски – знаки иного мира, мира по-ту-сторону-реальности.
IV. Постлюдия — Рауфу Абдуллаеву
И вновь словно из небытия возникает, Lacrimosa и вновь звучит не основная тема, а ее «слезный» подголосок. Траурный звуковой облик последних тактов партитуры довершает трехкратное «рыдание» фагота. Следует заключительная перекраска колорита: мажорное трезвучие в исполнении чембало, виолончелей и контрабасов – еще один «знак эпохи».
Несмотря на наличие цитаты, являющейся стержнем сочинения, автор использует принципиально антиколлажный способ введения иностилевого материала: цитируя Моцарта, говорит своим языком. Развивая чужой материал как свой собственный, автор делает цитату и автоцитату равноправными, в чем одна из определяющих примет этого необычного опуса.
Марианна Высоцкая
Лучано Берио
Симфония для восьми голосов и оркестра (1968/69)
Самое знаковое произведение Берио, Симфония написана для оркестра и восьми вокалистов (с электронным усилением звука) к 125-летнему юбилею Нью-Йоркского филармонического оркестра и посвящена Леонарду Бернстайну. Премьера первой, четырёхчастной версии сочинения была осуществлена Нью-Йоркским филармоническим оркестром и вокальным ансамблем The Swingle Singers под управлением автора в 1968 году. В год создания первой редакции Симфонии мир был потрясён убийством Мартина Лютера Кинга – выдающегося афроамериканского проповедника и борца за права человека в США. В память о нём Берио написал произведение под названием “O King” и уже после премьеры первой версии включил его в состав Симфонии. Премьера пятичастной редакции состоялась в 1969 году на Днях музыки в Донауэшингене в исполнении Симфонического оркестра Юго-Западного радио Германии под управлением Эрнеста Бура. Нью-Йоркский филармонический оркестр исполнил эту версию только в 1970 году под управлением Бернстайна.
Это произведение – одно из первых явлений постмодернистской “пост-симфонии” и одно из самых известных сочинений послевоенной музыки, в котором последовательно применяется принцип коллажа – музыкального и текстового. (В этом же направлении творил в то же самое время другой крупнейший европейский композитор Бернд Алоиз Циммерман. В начале 1970-х Симфония Берио вдохновила нашего соотечественника Альфреда Шнитке на создание Первой симфонии, где также последовательно применяется принцип музыкального коллажа.) Восемь человеческих голосов, которые участвуют в Симфонии, часто не поют, а говорят, шепчут и выкрикивают обрывки текстов из книги Леви-Стросса «Сырое и приготовленное» (Le cru et le cuit), романа Беккета «Безымянный», словесные ремарки из партитур Малера, а также и других источников.
Симфония Берио состоит из пяти частей. В первой используются тексты Леви-Стросса на французском языке, в третьей – английские тексты Беккета и Джойса, а текст второй части ограничивается лишь использованием фонем из фразы «О Мартин Лютер Кинг». В остальных частях происходит, в основном, игра со случайными вокальными элементами. Форма сочинения в целом напоминает арку: элементы из первой части отражаются в пятой, а из второй – в четвёртой части. Третья часть – смысловой центр всей композиции. Она нашпигована мельчайшими музыкальными цитатами, нанизанными в свою очередь также на цитатную основу: на протяжении всей части воспроизводится третья часть (скерцо) из Второй симфонии Малера. В названии Третьей части автор воспроизводит малеровское обозначение темпа In ruhig fliessender Bewegung – «в спокойном текучем движении». Сам Берио называл ее «Путешествием на Киферу» (по ассоциации с одноименными картиной Ватто и стихотворением Бодлера) – сюжет, где судно, заполненное подарками, направляется к острову, посвященному богине любви.
Музыкально эта идея претворяется в образе «течения» (воплощённого в виде малеровского скерцо), по которому корабль дрейфует сквозь множество цитат. Малеровское же темповое обозначение имеет двоякий смысл, так как эта музыка взята им из собственной же песни «Проповедь Антония Падуанского рыбам». Список цитат весьма внушителен – композитор выбирал эти фрагменты по признакам того или иного сходства с музыкой малеровского скерцо. Разобрать их на слух не всегда возможно: главное здесь – эффект невротического потока быстро сменяющих друг друга ассоциаций из глубин подсознания. Среди источников цитат удаётся различить произведения Шёнберга, Малера, Дебюсси, Хиндемита, Равеля, Берлиоза, Стравинского, Рихарда Штрауса, Баха, Берга, Бетховена, Булеза, Веберна, Брамса, Пуссёра, а также Штокхаузена – между прочим, из «Групп», включенных в программу сегодняшнего концерта!
![]() | ![]() |